El arte de la tierra del sol naciente. Japón

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Introducción

• La principal tarea de la educación estética en la escuela primaria es involucrar a los estudiantes en la atmósfera del arte, y esto solo es posible en un museo.
• El Museo Estatal del Hermitage brinda la oportunidad de familiarizarse con materiales de arte fino, decorativo y aplicado sobre una variedad de temas. Puede realizar un recorrido con niños en sus pasillos, así como realizar un recorrido virtual en el sitio web del Hermitage / www.hermitagemuseum.org /, familiarizarse con la historia del arte japonés y su cultura.

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• La colección más grande de arte japonés de los siglos XIII al XIX en Rusia contiene alrededor de 8 mil obras. Principalmente, estos son los monumentos del período Tokugawa (1603 - 1868), la época del último apogeo de la cultura tradicional de Japón.
• El Hermitage contiene 1.500 hojas de xilografías en color, incluidas obras de famosos maestros del grabado japonés del medio. Siglos XVIII al XX (Suzyuki Harunobu, Utagawa Kunisada, Itinosai Kuniyoshi, etc.); La pintura japonesa está representada por unos pocos pero interesantes ejemplos.

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• Grabado japonés
• Xilografías (del griego. Helon madera y grbrho escribo, dibujo), xilografía, uno de los tipos de grabado.
• La plancha de impresión (cliché) está hecha a mano.
• Artista japonés Utagawa Kunisada (1786-1864)

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Xilografía

• Artista japonés Ichinosai Kuniyoshi "Cherry Blossom"
• Sakura es el nombre japonés de la cereza ornamental y sus flores.

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• La parte más valiosa del fondo japonés del Hermitage es la colección de netsuke, escultura en miniatura de los siglos XVII-XIX, que cuenta con más de mil obras.
• Todas las escuelas de talla conocidas, todos los artesanos más importantes y los temas típicos del netsuke se muestran en la colección del Hermitage.
• Tres monos jugando van
• Cachorro en una estera

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Netsuke: un llavero o contrapeso con el que se adjuntaba al cinturón una bolsa con tabaco, un manojo de llaves o una caja de entrada para perfumería y medicinas. La necesidad de tal dispositivo fue causada por la falta de bolsillos en el traje tradicional japonés. La especificidad de la decoración de dicho llavero (en forma de escultura tallada, placa en relieve, etc.) se tomó prestada de China. Netsuke es tanto una pieza utilitaria de un disfraz con una forma específica como una obra de arte diseñada con un estilo específico. El material principal para hacer netsuke fue el marfil.

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• Netsuke es tanto una pieza utilitaria de un disfraz con una forma específica como una obra de arte diseñada con un estilo específico. El material principal para hacer netsuke fue el marfil.
• Los maestros profesionales convierten al netsuke en una forma de arte independiente, con un conjunto específico de formas, materiales, una variedad de temas y símbolos.

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Teatro de japón

• Uno de los primeros tipos de teatro fue el teatro no (japonés 能 no: "talento, habilidad"), que se desarrolló en los siglos XIV-XV, actores interpretados con máscaras y trajes lujosos. El teatro se considera un drama "disfrazado", pero solo shite y waki usan máscaras (o-mote). En el siglo XUP, surgió uno de los tipos más famosos de teatro tradicional japonés: el kabuki (歌舞 伎 japonés "canción, danza, habilidad"), los actores de este teatro eran exclusivamente hombres, sus rostros estaban maquillados de manera compleja. El arte de las onnagata (女 形 imagen femenina), las actrices, es muy apreciado.

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Máscaras de teatro No.

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• Sin disfraz de teatro
• Karigin
• Primera mitad de Х1Хв. Seda

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• El kimono (japonés 着 物, kimono, "ropa"; japonés 服, wafuku, "vestido nacional") es un vestido tradicional en Japón.
• Desde mediados del siglo XIX, se ha considerado el "traje nacional" japonés. Además, el kimono es la ropa de trabajo de la geisha y maiko (futura geisha).

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En la colección de artes aplicadas del Hermitage Estatal:

• armas de filo (espadas, tsuba, menuki, etc.),
• colección de porcelana y cerámica
• (más de 2000 copias),
• barnices de los siglos XIV-XX,
• muestras de tejidos y trajes.

"Arte del siglo XIX en Rusia" - Entrenamiento físico. I. Repin nació el 24 de julio de 1844 en la ciudad de Chuguev. El mundo. Creación de imágenes artísticas utilizando pinturas. Producción. Literatura. Por eso el siglo XIX se denominó "Dorado". Verás, ahora se acercarán, vale la pena echarle un vistazo ... Las obras de A.S. Pushkin está incluido en la vida de una persona rusa desde la primera infancia.

"Proyecto de Arte" - Preguntas. Provisión: El trabajo en equipo y el trabajo en grupo crea una situación de éxito. Recursos informativos. Elementos visuales: desarrolle habilidades para el trabajo en equipo. Criterios de evaluación. Anotación: Trabajo colectivo final del proyecto. Verdadero. ¿Cuál es el interior de una casa campesina? En el arte, las personas expresan su alma, su forma de pensar y su carácter.

"La Bella en el Arte" - I. Aivazovsky "La Novena Ola". K. Korovin "Rosas". Pasaron los siglos. I. Levitan "Otoño dorado". I. Levitan "Birch Grove". Phloxes ". Hermoso en la vida y en las obras de arte. Algunas personas han logrado una gran habilidad para dibujar. I. Shishkin "Rye". I. Kramskoy “Ramo de flores. El hombre siempre ha querido capturar la belleza, aquello que sorprende y deleita.

"Creatividad en el arte" - Bogdanov-Belsky. 1915. El mundo del arte. 1916-1920. Los fundadores del "Mundo de las Artes" fueron el artista A. Benois y la figura teatral S. P. Diaghilev. Enterrado en el cementerio de Sainte-Genevieve-des-Bois. Simbolismo y Art Nouveau como corrientes estilísticas de principios del siglo XX. Inclino mi cabeza en silencio A tus pies. Los artistas organizaron exposiciones bajo los auspicios de la revista World of Art.

"Arte del siglo XX" - Plan: Conclusión. La novela está escrita en forma de diario. características de la época Secciones sobre representantes del arte. Secciones de arte. Ilustración de fila visual. Representantes. El existencialismo surgió en la filosofía en la década de 1920. siglo 20. The Glass Bead Game representa una realidad que prácticamente no existe.

"Arte decorativo ruso" - Armería del Estado. La porcelana rusa alcanza el nivel europeo. Moscú se convierte en la capital de un estado poderoso. Tallado en madera, pintura. Pano. Primera mitad del siglo XIX. Azulejo del siglo XVII En la costura artística se introducen en abundancia oro, perlas y piedras preciosas. Fábrica de Porcelana Imperial.

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La cultura japonesa es un fenómeno único y distintivo no solo en el contexto de la cultura global, sino también en varias otras culturas orientales. Se ha desarrollado continuamente desde los siglos X-XI. Desde el siglo XVII hasta mediados del XIX, Japón estuvo prácticamente cerrado a los extranjeros (las relaciones se mantuvieron solo con Holanda y China). Durante el período de este aislamiento en Japón, la identidad nacional se desarrolló creativamente. Y cuando, tras un lapso de varios siglos, la cultura tradicional más rica de Japón finalmente se abrió al mundo, tuvo una fuerte influencia en el desarrollo posterior de la pintura, el teatro y la literatura europeos. La civilización japonesa se formó como resultado de contactos étnicos complejos y multitemporales. La cultura japonesa, a diferencia de la india y la china a principios de la Edad Media, recién estaba naciendo, por lo que se caracterizó por un mayor dinamismo y una especial sensibilidad a la percepción de las influencias extranjeras.

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En la mitología japonesa, los cónyuges divinos: Izanagi e Izanami fueron considerados los antepasados \u200b\u200bde todo lo que existe. De ellos vino la tríada de los grandes dioses: Amaterasu - la diosa del sol, Tsukiyomi - la diosa de la luna Susanoo - el dios de la tormenta y el viento. Según las ideas de los antiguos japoneses, las deidades no tenían una apariencia humana o animal, sino que estaban encarnadas en la naturaleza misma: en el Sol, la Luna, las montañas y las rocas, los ríos y las cascadas, los árboles y las hierbas, que fueron venerados como espíritus ("kami" en la traducción del japonés significa "viento divino"). Esta deificación de la naturaleza es la base de la religión nacional japonesa, que se llama sintoísmo (del japonés "Shinto" - "camino de los dioses").

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Según el Kojiki, el monumento más antiguo de la lengua y la literatura japonesa, la diosa del sol Amaterasu le dio a su nieto, el príncipe Ninigi, el antepasado divinizado de los japoneses, el espejo sagrado Yata y dijo: "Mira este espejo como me miras a mí. " Ella le dio este espejo junto con la espada sagrada de Murakumo y el collar de jaspe sagrado de Yasakani. Estos tres símbolos del pueblo japonés, la cultura japonesa y la condición de Estado japonés se han transmitido desde tiempos inmemoriales de generación en generación como un relé sagrado del valor, el conocimiento y el arte.

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En la historia de la cultura y el arte japoneses, se pueden distinguir tres corrientes profundas y aún vivas, tres dimensiones de la espiritualidad japonesa, que se compenetran y se enriquecen entre sí: el sintoísmo ("el camino de las deidades celestiales") es la religión pagana popular de los japoneses ; El Zen es la rama más influyente del budismo en Japón (el Zen es tanto una doctrina como un estilo de vida, similar al cristianismo medieval, el Islam); bushido ("el camino del guerrero") - la estética del samurái, el arte de la espada y la muerte.

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Jasper es el símbolo más antiguo de las ideas sintoístas, que se basa en el culto a los antepasados. El espejo es un símbolo de pureza, desapasionamiento y ensimismamiento, expresa las ideas del Zen de la mejor manera posible. La espada ("el alma de un samurái" como dice un antiguo proverbio japonés) es un símbolo del bushido. Por supuesto, estas tres tendencias de la cultura y el arte japoneses no pueden aislarse en su forma más pura. Al mismo tiempo, determinan en cierta medida la secuencia de desarrollo de la cultura japonesa.

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Antes que nada, ya en los siglos 3-7, se formó un complejo ideológico y artístico asociado con el sintoísmo. Fue dominante en la era de la formación del estado de Yamato, mantuvo su posición durante la primera penetración del budismo y finalmente prácticamente se fusionó con él (siglo VIII). Estos primeros siglos transcurren como bajo el signo del jaspe. Luego, arraigados en la era bélica de Yamato, madurando gradualmente, emergen a la vuelta de los siglos 12-13 como un sistema ideológico y artístico establecido de ética y estética Bushido: cultura bajo el signo de la espada. Desde el siglo XIII, ha continuado su desarrollo en estrecha interacción e interpenetración con las enseñanzas budistas mahayanas del Zen. Entrelazados en manifestaciones tanto ideológicas como puramente artísticas, el Zen y el Bushido definieron la cultura nacional japonesa casi hasta nuestro siglo XXI.

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Los monumentos más antiguos del arte japonés pertenecen al período neolítico (siglo VIII - mediados del primer milenio antes de Cristo): platos de cerámica con una decoración exuberante moldeada, figurillas estilizadas de ídolos, máscaras antropomórficas. A finales del Neolítico, principios de la Edad del Hierro Temprana (siglo V a.C.-siglo IV d.C.), junto con piraguas y cabañas, se levantaron graneros de troncos, de planta rectangular, sin ventanas, con techo a dos aguas, elevado por pilares sobre la tierra. En los primeros siglos de nuestra era, con el establecimiento de la religión sintoísta, los principales santuarios de Japón en Ise e Izumo (550) se erigieron a modo de graneros en vastos territorios de guijarros, rodeados de vallas. Con la sencillez y claridad de sus diseños, sentaron las bases de la tradición de la arquitectura japonesa. La cerámica doméstica ganó claridad de forma y la severidad de un patrón geométrico, espadas rituales de bronce, espejos y campanas se generalizaron. En los siglos IV-VI, con la formación del estado de Yamato (en el centro de la isla de Honshu), se construyeron grandiosos túmulos funerarios de gobernantes. Figuras de arcilla con fines mágicos ("haniwa") ubicadas en su superficie: guerreros, sacerdotes, damas de la corte, animales, etc. - se distinguen por la viva espontaneidad de las expresiones faciales y los gestos.

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El período de la Edad Media, que duró más de mil años (siglos VI-XIX), fue el más fructífero para el arte japonés. Un acontecimiento significativo en el desarrollo de la cultura japonesa fue el conocimiento de la fe budista a finales del siglo quinto. Junto con la escritura y la sofisticada cultura continental introducida por los monjes budistas, la nueva religión marcó el comienzo de los contactos de Japón con el resto del mundo asiático.

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Con la expansión del budismo, comenzó la construcción intensiva de monasterios budistas, que se remonta a los modelos coreano y chino. El más famoso fue Horyuji (finales del siglo VI a principios del VII), un pequeño complejo de templos ubicado a las afueras de la ciudad de Nara, un lugar donde se concentran los monumentos más importantes del budismo japonés, así como los edificios de madera más antiguos del mundo. El conjunto del templo incluía: una pagoda de varios niveles, el templo principal, un condominio (Salón Dorado), un salón de sermones, un depósito de sutras budistas, viviendas de monjes y otros edificios. Los edificios del templo estaban ubicados en un cuadrado rectangular rodeado por dos filas de muros con puertas. Los edificios se erigieron sobre la base de una estructura de pórtico de postes y vigas. Columnas y ménsulas pintadas con laca roja sostenían un enorme techo curvo de uno o dos niveles con tejas. El "milagro de la belleza" del conjunto Horyuji radica en el asombroso equilibrio y armonía de dos edificios de diferentes formas: un templo con sus techos altos y ligeros y una pagoda que mira hacia arriba, que termina con una aguja con nueve anillos, un símbolo de Esferas celestiales budistas.

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Otro fenómeno significativo de la escultura japonesa de este período son las figuras de monjes meditando o rezando, con un realismo conmovedor y acentuado que transmite no solo sus características físicas, sino también el éxtasis espiritual y la concentración de la oración.

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El acontecimiento principal en la arquitectura de los siglos XII-XIII. Fue la restauración de estructuras en la antigua capital Heijo (moderna. Nara), destruida e incendiada durante las guerras intestinas. Entonces, en 1199, se volvió a erigir la Gran Puerta Sur del conjunto Todaiji y se restauró el Daibutsuden (Gran Salón del Buda).

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La ceremonia del té (chado), los "jardines de rocas" filosóficos, las reflexiones breves y amplias de tres líneas (hokku): todo se cultiva bajo el signo de la auto-penetración y la intuición, bajo el signo de un espejo. Así se desarrolla la carrera de relevos milenaria de la cultura japonesa del arte japonés, “programada” en el antiguo mito de los tres tesoros.

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Ikebana es el arte tradicional japonés de los arreglos florales. Literalmente, ikebana es "flores que viven". En el arte europeo, componer un ramo demuestra la habilidad de la persona que lo creó, mientras que los creadores de ikebana buscan revelar en él no sus pasiones y gustos, ni su individualidad, sino la esencia natural de las plantas representadas en ikebana, el profundo significado de sus combinaciones y arreglos - la composición en su conjunto. Además, los europeos en su mayor parte luchan por el esplendor, la elegancia, la riqueza del color, mientras que los maestros japoneses de ikebana luchan por la severidad extrema, incluso la forma lacónica, a veces limitándose a dos o tres ramas y prestando especial atención a las plantas más simples y modestas. . Esta forma de arte, que se originó en la India y penetró en Japón junto con el budismo de China, se generalizó en este país y comenzó a desempeñar un papel importante en la vida cultural de su sociedad.

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Fue en Japón donde el ikebana, después de haber ido más allá del ritual ritual de ofrecer flores simbólicamente significativas al Buda, así como a los antepasados \u200b\u200bvenerados, se convirtió en un tipo especial de arte que se introdujo ampliamente en varias esferas de la vida pública. La sencillez como signo de originalidad y la singularidad como signo de conjunto son el credo de los verdaderos artistas ikebana. Sus creaciones en este sentido recuerdan a los poemas haiku japoneses: se distinguen por la misma brevedad, profundidad y perfección. El arte del ikebana en el Japón moderno es uno de los más populares, se percibe como un símbolo de identidad nacional y como la personificación del alto gusto artístico reconocido en todo el mundo.